London Fashion Week: Eskapismus der Kunstwelt
Von starken Frauen und politischen Statements bis hin zu Space Age und applizierten Blumen provozierte LFW gemischte Reaktionen
Auf der London Fashion Week triumphierten die Designer, die sich mutig mit der aktuellen politischen Stimmung auseinandersetzten und andere, die mit übermäßiger und rätselhafter Komplexität herumnudelten, hinter sich ließen.
Burberrys Creative Director und Chief Executive Christopher Bailey verlagerte den Schwerpunkt von dem eher kommerziellen Ton der vorherigen Staffeln und blieb für seine zweite Laufstegshow 'Jetzt sehen, jetzt kaufen' in einer nobleren, artigeren Quelle des Nationalstolzes hängen. Die unangreifbare Integrität des Bildhauers Henry Moore wurde eingesetzt und mehrere seiner riesigen Bronzen wurden in das Makers House gebracht. Bailey erforschte Moores Archive und den Prozess, um eine Kollektion zu entwickeln, die sich von der markentypischen Tragbarkeit abwendet und in eine dekonstruierte Richtung geht. Die Umhänge, die jedes Model für das Finale trug, waren der größte Erfolg, von elisabethanischen Halskrausen bis hin zu hochgearbeiteter Spitze, die alle auf Bestellung erhältlich waren.
Jess Cartner-Morley bei Der Wächter bezeichnete den klangvollen Look der London Fashion Week als „Arthouse-Patriotismus“, da viele Marken sich dafür entschieden, in den Tate-Galerien auszustellen. Must-see Christopher Kane, der sich für die Tate Britain entschieden hat, mied sein Archiv und beschloss, grenzenlos vorwärts zu marschieren, das Skizzenbuch in der Hand. Suzy Menkes bei Mode schimpfte ihn, weil er eine Gelegenheit verpasst hatte, ein politisches Statement abzugeben - um die Ecke war ein Anti-Trump-Protest im Gange - und bewertete die Kollektion als uneinheitlich: 'Für so viel eisige Modernität trug Kane schmale silberne Kleider, glänzende Space-Age-Anzüge und' funkelnden Blumenapplikationen zeigte sich der Designer in den seltenen Momenten, in denen er die Dinge einfach hielt, am besten.“
Cartner-Morley zog eine Augenbraue hoch, weil Marken wie Mulberry und Roksanda 'die Königin für beeindruckende Frauen und nicht für die Herrschaft des Establishments stehen'. Nach ihrer Show schwärmte Roksanda Ilincic davon, bei einer kürzlichen Begegnung mit dem Monarchen „starrst“ zu sein. Unterdessen heuerte Mulberry die kantige Superstylistin Lotta Volkova an, um den 1970er-Jahren-Anzügen mit Tapetendruck, die Cartner-Morley „teilweise Königin bei Balmoral und teils Volkova“ nannte, jugendlichen Schwung zu verleihen, obwohl für Maya Singer at Mode , 'Heimatkreis-Referenzen' dominierten, was sich wie eine 'unvollendete' Sammlung anfühlte.
Eher heißer auf ihrer Politik waren Marques Almeida und Ashish, wo die Vielfalt der Start- und Landebahnen herrschte. Ashish Gupta zielte in seiner mit Pailletten gefüllten Kollektion mit dem Titel Stay Great, Trotz direkt auf Präsident Donald Trump ... , mit Slogans wie: „Mehr Glitzer weniger Twitter“; „Bleib wach“ („aufgewacht“, was bedeutet, sich der sozialen Systeme der schwarzen Unterdrückung bewusst zu sein, ein populärer Slogan während der jüngsten Proteste) und „Warum blau sein, wenn man schwul sein kann!“ Am Ende stand der Designer selbst in einem übergroßen T-Shirt, auf dem politische Solidaritätsbotschaften „Keine Person ist illegal“ im Mittelpunkt prangten.
Die Show des portugiesischen Duos Marques Almeida hingegen war eine Ode an Malick Sidibes Bilder des Alltags in den 1960er und 1970er Jahren in Mali, gezeigt vor einer vielfältigen Besetzung von Freundinnen und Frauen unterschiedlicher Größe und Gestalt zur Melodie von Nina Simone. „Wenn es jemals eine Zeit gab, über Vielfalt zu sprechen, dann war dies der richtige Zeitpunkt. Es fühlte sich sehr instinktiv an', sagte Marques Samantha Conti at WWD. Für Menkes waren der übergroße Anzug und die monochromen Karos aufregend, wenn nicht sogar perfekt und ein Beweis dafür, dass 'Almeida vorangekommen ist und Schneiderei und gewagte Mischungen aus Karos und Rüschen produziert hat'.
Simone Rocha fand nach dem weltweiten Frauenmarsch im Januar, der fast 100.000 Menschen in London anzog, ihre 'starken Frauen' in den Suffragetten und nicht in Elizabeth II. Sie synchronisierte ihre Show The Marching Roses. Ihre 'Roses' waren jeden Alters und trugen kantige Victoriana-Mäntel, die Emmeline Pankhurst und ihre Kameraden visuell mit zeitgenössischen Demonstranten verwischen. Mode Sarah Mower war ein Fan und meinte, dass „die Programmnotizen von Frieden und Gelassenheit sprachen. Kann uns Kleidung das geben? Vielleicht, vielleicht nicht. Aber in Rochas Vorstellung sollen sogar rote Gänseblümchen, Primeln und Spitzen als Talismane wirken, ihre Version einer weiblichen Rüstung gegen das, was vor ihnen liegt.'
Geselligkeit und Intimität waren das Thema von Molly Goddards Show, die sich um einen köstlichen Aufstrich mit echtem Essen und Martinis entfaltete. Sie entwickelte die übergroße Tüll-Naivität, die ihre Ästhetik definierte, und erweiterte ihr Repertoire um Satinhosen und bedruckte Sweatshirts, die für die meisten leichter zu tragen sind. Kleider waren jedoch immer noch die herausragendsten, insbesondere eine olivgrüne, transparente Nummer, die mit roten Blitzen bestickt war. Chioma Nnadi von der Vogue stellte freudig fest, dass „viele der Models in der Show nicht hinter der Bühne verschwinden, sondern an den Tischen auf dem Laufsteg Platz genommen haben, sich unterhalten und über Gläsern Rotwein gekichert haben. Es hat Mode am meisten Spaß gemacht.'
Rebecca May Johnson schreibt für Publikationen wie Vogue, AnOther, Daily Telegraph und Business of Fashion
